歌剧：音乐学会以宏大的规模讲述故事

歌剧并非含蓄的艺术，它不会轻声细语地表达情感，而是将其放大。歌剧诞生于16世纪末的意大利，最初是一种实验——试图通过融合诗歌、音乐和舞台技巧来复兴古希腊戏剧的戏剧精神。最终呈现的是一种更为宏大的艺术形式：音乐成为叙事的引擎，人声以毫不掩饰的强烈情感承载着悲剧、欲望、背叛和救赎。

歌剧的核心在于通过全歌唱表演来讲述戏剧性的故事，并辅以管弦乐和舞台布景。与音乐剧不同，歌剧中的对话很少出现，全部以歌唱的形式呈现。其结构在宣叙调（推动剧情发展）和咏叹调（情感凝结成旋律的展现）之间交替。

早期歌剧传统在意大利蓬勃发展。像克劳迪奥·蒙特威尔第这样的作曲家，以《奥菲欧》等作品奠定了歌剧的基础，证明神话叙事可以通过音乐表达得到强化。

到了19世纪，歌剧在戏剧性和情感表达方面都达到了成熟阶段。朱塞佩·威尔第将政治和个人冲突转化为高亢的声乐旋律。在《茶花女》中，威尔第将旋律与悲剧完美融合，仅凭配器就能让观众感受到心碎之痛。

与此同时，理查德·瓦格纳将歌剧拓展为哲学史诗。他的鸿篇巨制《尼伯龙根的指环》模糊了歌剧和交响诗之间的界限。瓦格纳的主导动机——代表人物或思想的反复出现的音乐主题——彻底改变了音乐叙事的方式。

歌剧与其他音乐形式的区别在于其学科的融合。音乐、戏剧、诗歌、服装和建筑在此交汇融合。管弦乐队不仅仅是伴奏；它能起到评论、预示和强化的作用。歌唱家不仅要在完整的乐器伴奏下展现出色的嗓音，还要在肢体语言上体现角色特质。

歌剧的演唱技巧十分专业且要求极高。在传统的演出环境中，没有麦克风，歌唱家必须发出足够响亮、清晰的声音，才能充满整个大型音乐厅。女高音、男高音、女中音、男中音和男低音各自扮演着特定的戏剧角色——女主角、男主角、对手、反派。

歌剧也展现出语言的多样性。意大利美声唱法强调声音的灵活性和装饰音。德国歌剧探索管弦乐的厚重感和哲学深度。法国歌剧常常在抒情性和戏剧性之间寻求平衡。俄罗斯歌剧则引入了更为深沉的音色。

评论家有时会认为歌剧晦涩难懂或精英化，但它的主题却是普世的：爱情的破碎、野心的堕落、牺牲的必要性。即使是不懂歌剧语言的观众，也能通过旋律和配器感受到歌剧的情感力量。

在20世纪和21世纪，歌剧适应了现代叙事和舞台呈现方式的创新。当代作曲家们尝试极简主义、电子音乐和政治主题，证明歌剧并非被束缚在天鹅绒幕布之下。

歌剧经久不衰，因为它毫不掩饰地放大情感。它不惧怕夸张，反而以此为生。

歌剧不是背景音乐。

它是通过舞台结构放大的情感。

当管弦乐队在高亢的女高音旋律下逐渐增强，当紧张感在持续的高音上悬而未决，当掌声打破随之而来的寂静，歌剧便展现出它的本质：

用呼吸和共鸣讲述​​的故事——

由足以震撼世界的旋律承载的戏剧张力。